O persoană este atrasă constant de creativitate. Oamenii au desenat din timpuri preistorice, reprezentând figuri de animale și zei pe stânci. Astăzi avem ocazia să admirăm picturile celor mai talentați artiști pe care i-a dat naștere civilizația.
Unii dintre ei transmit cu pricepere jocul luminii sau al apei, cineva acordă atenție detaliilor, iar picturile cuiva dau doar o dispoziție. Dar oamenii caută și găsesc o oportunitate de a crea imagini nu numai cu o pensulă. Există mulți artiști uimitori în lume care folosesc tehnici neobișnuite în munca lor.
Omul care scrie cu penisul. Australianul Tim Patch are pensula întotdeauna la îndemână. Într-adevăr, penisul său acționează în această calitate. Artistul se numește în glumă Pricasso. Nu există nicio îndoială că marele artist ar fi aprobat un astfel de pseudonim, deoarece și Picasso adora experimentele șocante. Prikasso își folosește fundul pentru a decora fundalul picturii. La urma urmei, desenarea cu instrumentul principal ar dura destul de mult. Picturile penisului apar în mod constant la diferite expoziții sexuale. În același timp, artistul însuși arată clar vizitatorilor cum își creează picturile. Interesant este că pânzele ies foarte bine, având în vedere instrumentul neobișnuit pentru crearea lor.
Artist folosind voma. Artistul Millie Brown creează ceea ce unii oameni îndrăzneț numesc artă. Femeia bea laptele colorat și apoi aruncă lichidul pe o pânză albă sau chiar pe rochia ei. A stăpânit arta regurgitării, datorită căreia a învățat să-și împingă conținutul stomacului cu ajutorul mușchilor. Acest talent îi permite lui Brown să creeze exemple de artă contemporană. S-ar părea, ce este atât de dificil? Bea și aruncă lichid pe pânză. Între timp, pânzele abstracte ale lui Brown costă mii de dolari. Cel mai faimos tablou, „Nexis Vomitus”, a fost creat cu acompaniament acustic de doi cântăreți de operă. Acest tablou costă 2.400 de dolari și nu este greu să găsești un videoclip al picturii pe Internet. Abia acum, vizionarea acestei tehnici de pictură poate provoca în sine un impuls neplăcut.
Desenând cu un baschet. Femeia chineză Hong Yu a decis să creeze un portret al idolului său, baschetbalistul Yao Ming. De curând și-a finalizat cariera stelară cu Houston Rockets. Dar care este cel mai bun mod de a atrage un jucător de baschet? Desigur, mingea! Fata iubește să deseneze, dar alege obiecte neobișnuite pentru a-i întruchipa talentul. De data aceasta un baschet a fost peria ei. A scufundat-o în vopsea și a lăsat urme pe pânză. Treptat, imaginea celebrului jucător a apărut pe hârtie. Un videoclip despre o astfel de tehnică neobișnuită a primit peste 400 de mii de vizualizări pe YouTube. Artista însăși s-a născut și a crescut în Borneo, a trăit în Australia și Olanda, iar acum locuiește în Shanghai.
Sângele uman ca vopsea. Vinicius Quesada locuiește în Brazilia. El se numește artist personal. Lui Quesada îi place să șocheze cu picturile sale. A creat o serie neobișnuită numită Blues Written in Blood. În mod neobișnuit, aceste picturi sunt pictate cu sânge și urină umană. În picturile apocaliptice ale brazilianului, puteți vedea gheișe dominatoare, maimuțe fumătoare de țigări și alte imagini neobișnuite. Pentru picturile sale, Quesada folosește trei culori - roșu, galben și albastru. Cel mai mult din tablouri este roșu, dar sângele artistului este folosit pentru aceasta. Adevărat, el poate aloca aproximativ 450 de mililitri doar pentru asta la fiecare 2 luni. Quesada nu folosește în principiu sângele altcuiva, nedorind să facă rău nimănui.
Arte subacvatice. Un întreg grup de artiști ucraineni își creează pânzele sub apă. Pentru a face acest lucru, se scufundă cu scufundări în apele Mării Negre. Acolo au la dispoziție aproximativ 40 de minute pentru muncă creativă. În acest timp, reușesc să pună vopsele pe pânze în condiții foarte dificile. Drept urmare, picturile sunt aproape aceleași cu cele pictate în condiții naturale. Este adevărat, înainte de a începe să picteze, scafandrii creativi își acoperă pânzele cu lipici impermeabil. Artiștii lucrează la adâncimi de la 2 la 20 de metri. Se spune că lumina din apă se împrăștie și cade pe stânci și corali. Drept urmare, lumea subacvatică arată atât de frumoasă încât inspiră creativitate. Ochiul uman este mai capabil să capteze această frumusețe decât camera. Dar artiștii trebuie să țină cont de faptul că culorile se pierd cu profunzimea. Deci culoarea maro aplicată pe pânza sub apă poate deveni roșie la suprafață.
Desen cu sân. Artistul american Kira Ain Varzeji își pictează tablourile cu dimensiunea sânului 38DD. Tehnica în acest caz nu este la fel de originală ca instrumentul în sine. Kira își scufundă sânii în vopseaua de ulei și apoi îi apasă pe pânză. În procesul de desenare, acest lucru se repetă iar și iar, se folosesc doar combinații de culori diferite. Desenul continuă până când artistei îi place munca ei. Kira susține că secretul popularității picturilor sale constă în amestecul special de culori. Adevărat, ar trebui să mulțumim în continuare naturii, care a dat un sân atât de superb. Artista spune că scopul muncii sale este emoțiile spectatorilor, precum și aducerea locuințelor într-un aspect frumos. Și astfel de imagini îi fac pe oameni să zâmbească invariabil. Pentru a atinge astfel de obiective, Kira a învățat să folosească o varietate de instrumente - de la o varietate de perii la jucării, legume și diverse părți ale corpului. Celor cărora li se par amuzante aceste tablouri ar trebui să li se spună că Kira este un artist recunoscut. O mare parte din munca ei este vândută pe eBay, unde fiecare piesă valorează sute de dolari. Kira susține că picturile ei s-au răspândit în toată lumea. În fiecare stat american, puteți găsi astfel de lucrări create neobișnuit.
Un artist pictând cu limbaj. Se spune că artiștii trebuie să sufere pentru arta lor. Drept urmare, sunt obligați să se îmbrace cu lenjerie murdară și nu este deloc clar ce să mănânce. Dar Ani Kay i-a depășit pe toți artiștii martirizați. Faptul este că își pictează imaginile în propria limbă. Acest lucru duce la dureri de cap persistente, crampe și greață. Când Ani a decis să picteze imagini într-un mod neobișnuit, a ales mai întâi nasul ca instrument. Dar s-a dovedit că această metodă fusese deja testată de alți artiști. Primele încercări de utilizare a limbii au dus la dureri severe la nivelul capului și corpului din cauza fumurilor ascuțite din vopsea. Acest profesor de artă a reușit să creeze deja 20 de picturi în acuarelă. Mândria sa a fost o pânză de 2,5 metri lățime, care copia „Cina cea de Taină” de Leonardo da Vinci. Această pictură a durat 5 luni pentru a fi finalizată. Artistul construiește o galerie în casa sa din Kerala, India. Corpul s-a obișnuit deja cu tehnica neobișnuită, acum lucrarea la imagine durează aproximativ 4 zile.
Desenând cu furnici moarte. Pentru „Portret cu pistol”, artistul Chris Truman a folosit un mediu neobișnuit. Autorul și-a creat opera folosind furnici moarte. Avea nevoie de 200 de mii de insecte muncitoare deodată. Rezultatul a fost o pictură maro care îl înfățișa pe fratele mai mic al lui Truman ținând o pușcă. În mod ciudat, artistul a declarat că opera sa este rodul iubirii. Tocmai acest sentiment contradictoriu l-a experimentat atunci când a ucis furnicile necesare picturii. De dragul artei, Truman a trebuit să facă ceea ce ura. Drept urmare, pictura a devenit nu numai un obiect al picturii, ci și întruchiparea genocidului furnicilor. Proprietarul său se va remarca fără îndoială în societate modernă... Și costul estimativ al picturii este de 35 de mii de dolari.
Un artist care își folosește ochii. Această metodă ciudată a fost stăpânită de Xiang Chen din provincia chineză Hunan. Acest artist și artist al caligrafiei a învățat să țină sub pleoape perii lungi, de un metru. Aici introduce capătul metalic al instrumentului de desen. Drept urmare, el scrie și desenează cu ochiul. Chen și-a dezvăluit abilitățile neobișnuite când avea 16 ani. Într-o zi a venit acasă de pe un șantier și a constatat că ambii ochi îi erau înfundați cu nisip. Dar el însuși nu a simțit nici o durere sau disconfort din această cauză. Chen a încercat să-și bată ochii, dar nu a simțit decât o ușoară mâncărime. Chinezul își folosește ochii nu numai pentru a desena, ci și pentru a cânta la pian. Interesant este faptul că medicii afirmă că organele sale de vedere nu diferă de cele obișnuite.
Artist pictând cu cenușă umană. Mulți artiști folosesc ajutorul prietenilor sau membrilor familiei pentru a-și crea tablourile. Dar doar câțiva îi folosesc pe cei dragi ca material pentru picturile lor. Canoanele etice au fost literalmente aruncate în aer de Val Thompson. Ea amestecă cenușa de la incinerarea oamenilor cu vopsele. În acest fel, ingredientul ei neobișnuit adaugă textură pânzei. Aceste picturi unice au permis artistului să facă o carieră bună. Iar fratele ei a invitat-o \u200b\u200bsă facă o astfel de creativitate. Primul tablou al lui Val a fost creat pentru Anna Keery, care și-a pierdut recent soțul John. Cenușa sa a mers să creeze o pânză cu o plajă pitorească. Clientului i-a plăcut atât de mult rezultatul, încât Val a creat încă trei tablouri similare, apoi și-a deschis chiar propria afacere Ashes for Art.
Unele opere de artă par să-l lovească pe spectator, uimit și uimit. Unele dintre ele te trag în gând și în căutarea straturilor semantice, a simbolismului secret. Unele picturi sunt acoperite cu secrete și ghicitori mistice, iar altele sunt surprinzătoare la un preț exorbitant.
„Ciudățenia” este un concept destul de subiectiv și fiecare are propriile sale imagini uimitoare care se deosebesc de o serie de alte opere de artă.Edvard Munch „Scream”
1893, carton, ulei, tempera, pastel. 91 × \u200b\u200b73,5 cm
Galeria Națională, Oslo
Țipătul este considerat un eveniment de referință în expresionism și una dintre cele mai faimoase picturi din lume.
„Mergeam de-a lungul cărării cu doi prieteni - soarele apunea - dintr-o dată cerul s-a înroșit cu sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat și m-am sprijinit de gard - am privit sângele și flăcările peste fiordul negru-albăstrui și oraș - prietenii mei au continuat și eu am stat, tremurând de emoție, simțind un țipăt interminabil străpungând natura ”, a spus Edvard Munch despre istoria picturii.
Există două interpretări ale ceea ce este descris: este însuși eroul care este cuprins de groază și țipă în tăcere, apăsându-și mâinile pe urechi; sau eroul își închide urechile din strigătul păcii și al naturii care sună în jur. Munch a scris 4 versiuni ale The Scream și există o versiune conform căreia această imagine este rodul unei psihoze maniaco-depresive de care a suferit artistul. După un curs de tratament la clinică, Munch nu a mai revenit să lucreze pe pânză.
Paul Gauguin „De unde am venit? Cine suntem noi? Unde mergem?"
1897-1898, ulei pe pânză. 139,1 × 374,6 cm
Muzeul de Arte Frumoase, Boston
O imagine profund filosofică a post-impresionistului Paul Gauguin a fost pictată de el în Tahiti, unde a fugit din Paris. La finalizarea lucrării, el a vrut chiar să se sinucidă, pentru că „cred că această pânză nu este doar superioară tuturor celor anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar similar”. A trăit încă 5 ani, și așa s-a întâmplat.
În direcția lui Gauguin însuși, pictura ar trebui citită de la dreapta la stânga - trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupul de mijloc simbolizează existența zilnică a maturității; în grupul final, conform ideii artistului, „o bătrână care se apropie de moarte pare a fi împăcată și devotată gândurilor sale”, la picioarele ei „o ciudată pasăre albă ... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.
Pablo Picasso "Guernica"
1937, pânză, ulei. 349 × 776 cm
Muzeul Reina Sofia, Madrid
O imensă pictură-frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, povestește despre raidul unei unități de voluntari din Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia cel de-al șaselea oraș a fost distrus complet. Imaginea a fost scrisă literalmente într-o lună - în primele zile de lucru pe imagine, Picasso a lucrat timp de 10-12 ore și deja în primele schițe se vedea ideea principală. Aceasta este una dintre cele mai bune ilustrații ale coșmarului fascismului, precum și al cruzimii și durerii umane.
Guernica prezintă scene de moarte, violență, atrocitate, suferință și neputință, fără a specifica cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940, Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo la Paris. Discuția s-a îndreptat imediat către pictură. "Ai facut asta?" - „Nu, ai făcut-o”.
Jan van Eyck "Portretul cuplului Arnolfini"
1434, lemn, ulei. 81,8 × 59,7 cm
London National Gallery, Londra
Portretul, probabil al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale, este una dintre cele mai complexe lucrări ale școlii de pictură a Renașterii Nord-Vestice.
Celebrul tablou este complet și complet plin de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la semnătura „Jan van Eyck a fost aici”, care l-a transformat nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă un eveniment real care artistul a participat.
In Rusia anii recenti imaginea a câștigat o mare popularitate datorită portretului asemănării lui Arnolfini cu Vladimir Putin.
Mikhail Vrubel "Demonul așezat"
1890, pânză, ulei. 114 × 211 cm
Galeria Tretiakov, Moscova
Pictura lui Mikhail Vrubel surprinde cu imaginea unui demon. Un tip trist și cu părul lung nu seamănă deloc cu ideea generală umană despre cum ar trebui să arate un spirit malefic. Artistul însuși a vorbit despre cea mai faimoasă pictură a sa: „Demonul nu este atât un spirit malefic, cât un spirit suferind și îndurerat, cu toate acestea un spirit dominator, maiestos”. Aceasta este o imagine a puterii spiritului uman, a luptei interioare, a îndoielii. Mâinile strânse tragic, Demonul stă cu ochii uriași și triști îndreptați în depărtare, înconjurat de flori. Compoziția subliniază etanșeitatea figurii demonului, ca și cum ar fi înfipt între barele transversale superioare și inferioare ale cadrului.
Vasily Vereshchagin "Apoteoza războiului"
1871, pânză, ulei. 127 × 197 cm
Galeria de Stat Tretiakov, Moscova
Vereshchagin este unul dintre principalii pictori ruși de luptă, dar a pictat războaie și bătălii nu pentru că i-a iubit. Dimpotrivă, el a încercat să transmită oamenilor atitudinea sa negativă față de război. Odată ce Vereshchagin, în căldura emoției, a exclamat: „Nu voi mai picta poze de luptă - atât! Îmi iau prea mult inima ceea ce scriu, strig (la propriu) durerea fiecărui rănit și ucis ". Probabil, rezultatul acestui strigăt a fost tabloul teribil și vrăjitor „Apoteoza războiului”, care înfățișează un câmp, corbi și un munte de cranii umane.
Imaginea este pictată atât de profund și emoțional încât, în spatele fiecărui craniu care se află în această grămadă, începeți să vedeți oameni, soartele lor și soartele celor care nu vor mai vedea acești oameni. Însuși Vereshchagin, cu un sarcasm trist, a numit pânza „natură moartă” - înfățișează „natura moartă”.
Toate detaliile picturii, inclusiv culoarea galbenă, simbolizează moartea și devastarea. Cerul albastru clar subliniază moartea imaginii. Cicatricile din sabii și găurile de gloanțe de pe cranii exprimă, de asemenea, ideea „Apoteozei războiului”.
Grant Wood „American Gothic”
1930, petrol. 74 × 62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago
„American Gothic” este una dintre cele mai recunoscute imagini din arta americană a secolului XX, cel mai faimos mem artistic al secolelor XX și XXI.
Pictura cu tatăl și fiica mohorâtă este plină de detalii care indică severitatea, puritanismul și retrograditatea persoanelor descrise. Fețe supărate, furci chiar în mijlocul imaginii, haine de modă veche chiar și după standardele din 1930, un cot expus, cusăturile de pe hainele fermierului, repetând forma furcii și, prin urmare, o amenințare adresată tuturor celor care intră . Toate aceste detalii pot fi examinate la nesfârșit și pot fi înfiorate de neliniște.
Interesant este faptul că judecătorii concursului de la Institutul de Artă din Chicago au perceput „goticul” ca un „îndrăgostit umoristic”, iar locuitorii din Iowa au fost teribil de jigniți de Wood pentru că i-au portretizat într-o lumină atât de neplăcută.
Rene Magritte "Lovers"
1928, pânză, ulei
Tabloul „Iubitorii” („Iubitorii”) există în două versiuni. Pe unul dintre ei se sărută un bărbat și o femeie, ale căror capete sunt înfășurate în pânză albă, iar pe de altă parte „se uită” la privitor. Imaginea este surprinzătoare și fascinantă. Cu două figuri fără chipuri, Magritte a transmis ideea orbirii iubirii. Despre orbire în toate sensurile: iubitorii nu văd pe nimeni, noi nu le vedem adevăratele fețe și, în plus, iubitorii sunt un mister chiar unul pentru celălalt. Dar, cu această claritate aparentă, continuăm să ne uităm la iubitorii Magritte și să ne gândim la ei.
Aproape toate picturile lui Magritte sunt puzzle-uri care nu pot fi rezolvate complet, deoarece ridică întrebări cu privire la însăși esența ființei. Magritte vorbește tot timpul despre înșelăciunea vizibilului, despre misterul său ascuns, pe care de obicei nu-l observăm.
Marc Chagall „Walk”
1917, pânză, ulei
Galeria de Stat Tretiakov
De obicei extrem de serios în pictura sa, Marc Chagall a scris un manifest încântător al fericirii sale, plin de alegorii și dragoste. The Walk este un autoportret alături de soția sa Bella. Iubitul său se ridică în cer și privirea aceea se va îndrepta în zbor și pe Chagall, stând pe pământ instabil, ca și când ar fi atins-o doar cu degetele de la pantofi. Chagall are un șobolan în cealaltă mână - este fericit, are atât un șobolan în mâini (probabil pictura lui), cât și o macara pe cer.
Hieronymus Bosch „Grădina desfătărilor pământești”
1500-1510, lemn, ulei. 389 × 220 cm
Prado, Spania
Grădina Deliciilor Pământești este cel mai faimos triptic al lui Hieronymus Bosch, numit după tema părții centrale și este dedicat păcatului poftei. Până în prezent, niciuna dintre interpretările disponibile ale imaginii nu a fost recunoscută ca fiind singura corectă.
Farmecul durabil și, în același timp, ciudățenia tripticului rezidă în modul în care artistul exprimă ideea principală prin multe detalii. Imaginea este plină de figuri transparente, structuri fantastice, monștri, halucinații care au luat carne, caricaturi infernale ale realității, la care se uită cu o privire cercetătoare, extrem de ascuțită. Unii oameni de știință au dorit să vadă în triptic imaginea vieții umane prin prisma vanității ei și imagini ale iubirii pământești, alții - triumful voluptății. Cu toate acestea, inocența și o oarecare detașare cu care sunt interpretate figurile individuale, precum și atitudinea favorabilă față de această lucrare din partea autorităților bisericești, ne îndoiesc că conținutul ei ar putea fi glorificarea plăcerilor trupești.
Gustav Klimt "Trei vârste ale unei femei"
1905, pânză, ulei. 180 × 180 cm
Galeria Națională de Artă Modernă, Roma
„Trei vârste ale unei femei” este în același timp vesel și trist. Povestea vieții unei femei este scrisă în trei figuri în ea: neglijență, pace și disperare. Tânăra este țesută organic în ornamentul vieții, cea veche iese în evidență din ea. Contrastul dintre imaginea stilizată a unei tinere și imaginea naturalistă a unei femei în vârstă capătă un sens simbolic: prima fază a vieții aduce cu sine posibilități și metamorfoze infinite, ultima - constanță invariabilă și conflict cu realitatea.
Pânza nu se lasă, urcă în suflet și te face să te gândești la profunzimea mesajului artistului, precum și la profunzimea și inevitabilitatea vieții.
Egon Schiele „Familia”
1918, pânză, ulei. 152,5 × 162,5 cm
Galeria „Belvedere”, Viena
Schiele a fost student al lui Klimt, dar, ca orice elev excelent, nu și-a copiat profesorul, ci a căutat ceva nou. Schiele este mult mai tragic, ciudat și înfricoșător decât Gustav Klimt. În lucrările sale există o mulțime de ceea ce s-ar putea numi pornografie, diverse perversiuni, naturalism și, în același timp, disperare dureroasă.
Familia este ultima sa lucrare, în care disperarea este dusă la absolut, în ciuda faptului că este imaginea lui cel mai puțin ciudată. A desenat-o chiar înainte de moartea sa, după ce soția sa însărcinată Edith a murit din cauza unei femei spaniole. A murit la vârsta de 28 de ani, la doar trei zile după Edith, reușind să o atragă pe ea, pe el și pe copilul lor nenăscut.
Frida Kahlo "Two Frida"
Istoria vieții dificile a artistei mexicane Frida Kahlo a devenit cunoscută pe scară largă după lansarea filmului „Frida” cu Salma Hayek în cu rol principal... Kahlo a scris în principal autoportrete și a explicat-o pur și simplu: „mă pictez pentru că petrec mult timp singur și pentru că sunt subiectul pe care îl cunosc cel mai bine”.
Nici un singur autoportret al Fridei Kahlo nu zâmbește: o față serioasă, chiar jalnică, sprâncene groase topite, antene abia vizibile peste buzele bine comprimate. Ideile picturilor sale sunt criptate în detaliile, fundalul, figurile care apar lângă Frida. Simbolismul lui Kahlo se bazează pe tradițiile naționale și este strâns legat de mitologia americanilor nativi din perioada prehispanică.
Într-unul dintre cele mai bune tablouri - „Two Fridas” - ea a exprimat principiile masculine și feminine, unite în ea printr-un singur sistem circulator, demonstrându-și integritatea.
Claude Monet „Podul Waterloo. Efect de ceață "
1899, pânză, ulei
Schitul de Stat, Sankt Petersburg
Când vizualizează o imagine de la distanță, privitorul nu vede altceva decât pânza, pe care se aplică frecvente mișcări groase de ulei. Toată magia operei este dezvăluită când începem treptat să ne îndepărtăm de pânză la o distanță mai mare. În primul rând, semicercuri de neînțeles încep să apară în fața noastră, trecând prin mijlocul imaginii, apoi, vedem contururile clare ale bărcilor și, îndepărtându-ne la o distanță de aproximativ doi metri, toate lucrările de conectare sunt desenate brusc în fața noi și aliniați într-un lanț logic.
Jackson Pollock "Numărul 5, 1948"
1948, panouri de fibre, ulei. 240 × 120 cm
Ciudățenia acestei imagini este că pânza liderului american al expresionismului abstract, pe care a pictat-o, vărsând vopsea peste o bucată de placă de fibră întinsă pe podea, este cea mai scumpă pictură din lume. În 2006, la licitația Sotheby's, au plătit 140 de milioane de dolari pentru aceasta. David Giffen, producător și colecționar de film, l-a vândut finanțatorului mexican David Martinez.
„Continu să mă îndepărtez de instrumentele obișnuite ale artistului, cum ar fi șevalet, paletă și pensule. Prefer bețe, linguri, cuțite și vopsea pentru turnare sau vopsea amestecată cu nisip, sticlă spartă sau orice altceva. Când sunt în pictură, nu sunt conștient de ceea ce fac. Înțelegerea vine mai târziu. Nu mă tem de schimbări sau distrugerea imaginii, deoarece imaginea își trăiește propria viață. Doar o ajut. Dar dacă pierd contactul cu pictura, devine dezordonat. Dacă nu, atunci aceasta este armonia pură, ușurința modului în care luați și dați. "
Joan Miró "Un bărbat și o femeie în fața unei grămezi de excremente"
1935, cupru, ulei, 23 × 32 cm
Fundația Joan Miró, Spania
Frumos titlu. Și cine ar fi crezut că această imagine ne vorbește despre ororile războaielor civile.
Pictura a fost realizată pe o foaie de cupru în săptămâna dintre 15 și 22 octombrie 1935. Potrivit lui Miro, acesta este rezultatul unei încercări de a înfățișa tragedia războiului civil spaniol. Miro a spus că aceasta este o imagine a unei perioade de anxietate. Pictura descrie un bărbat și o femeie care se apropie unul de celălalt în brațe, dar nu se mișcă. Organele genitale mărite și culorile de rău augur au fost descrise ca „pline de dezgust și sexualitate dezgustătoare”.
Jacek Jerka "Eroziune"
Neo-suprarealistul polonez este cunoscut în toată lumea pentru tablourile sale uimitoare care combină realități pentru a crea altele noi. Este dificil să luăm în considerare lucrările sale extrem de detaliate și într-o oarecare măsură emoționante una câte una, dar acesta este formatul materialului nostru și a trebuit să alegem una - pentru a ilustra imaginația și priceperea sa. Vă recomandăm să vă familiarizați.
Bill Stoneham „Mâinile îi rezistă”
Această operă, desigur, nu poate fi numărată printre capodoperele picturii mondiale, dar faptul că este ciudat este un fapt.
Există legende în jurul tabloului cu un băiat, o păpușă și palmele lipite de sticlă. De la „mor din cauza acestei imagini” până la „copiii de pe ea sunt în viață”. Imaginea arată într-adevăr înfiorătoare, ceea ce dă naștere la multe temeri și speculații la persoanele cu un psihic slab.
Artistul a insistat că pictura se înfățișează pe sine însuși la vârsta de cinci ani, că ușa este o reprezentare a liniei de despărțire dintre lumea reală și lumea viselor, iar păpușa este un ghid care îl poate conduce pe băiat prin această lume. Brațele reprezintă vieți sau posibilități alternative.
Pictura a devenit proeminentă în februarie 2000, când a fost scoasă la vânzare pe eBay, cu o poveste din spate care îi spunea că tabloul a fost „bântuit”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1025 de dolari de către Kim Smith, care a fost apoi pur și simplu inundat de scrisori cu povești groaznice și cereri de a arde tabloul.
Printre nobilele opere de artă care sunt plăcute ochiului și care evocă doar emoții pozitive, există picturi, ca să spunem cel puțin, ciudate și șocante. Vă prezentăm 20 de picturi ale unor artiști de renume mondial care vă fac să vă îngroziți ...
„Pierderea minții asupra materiei”
Pictură, pictată în 1973 de artistul austriac Otto Rapp. El a descris un cap uman în descompunere purtat peste o cușcă de păsări care conținea o bucată de carne.
"Negru viu suspendat"
Această creație groaznică de William Blake descrie un sclav negru care a fost spânzurat de spânzurătoare cu un cârlig prin coaste. Lucrarea se bazează pe povestea soldatului olandez Steadman - martor ocular al unui masacru atât de brutal.
Dante și Virgil în iad
Pictura lui Adolphe William Bouguereau a fost inspirată de o scurtă scenă despre lupta dintre două suflete afurisite din Infernul lui Dante.
"Iad"
Tabloul „Infern” al artistului german Hans Memling, pictat în 1485, este una dintre cele mai terifiante creații artistice ale timpului său. Trebuia să-i împingă pe oameni spre virtute. Memling a amplificat efectul terifiant al scenei adăugând legenda „Nu există răscumpărare în iad”.
„Marele dragon roșu și monstrul marin”
Celebrul poet și artist englez al secolului al XIII-lea, William Blake, în momentul inspirației, a creat o serie de picturi în acuarelă care înfățișează marele dragon roșu din Cartea Revelațiilor. Dragonul Roșu a fost întruparea diavolului.
„Spiritul apei”
Artistul Alfred Kubin este considerat cel mai mare reprezentant al simbolismului și expresionismului și este cunoscut pentru fanteziile sale simbolice întunecate. „Spiritul apei” este una dintre astfel de lucrări, care descrie neputința unei persoane în fața elementului mare.
„Necronom IV”
Această creație terifiantă a renumitului artist Hans Rudolf Giger a fost inspirată din filmul Alien. Giger a suferit de coșmaruri și toate picturile sale au fost inspirate din aceste viziuni.
„Skinning Marcia”
Creat de pictorul italian al Renașterii Titian, pictura „Skinning Marsyas” se află în prezent în Muzeul Național din Kromeriz din Republica Cehă. Piesa de artă descrie o scenă din mitologia greacă în care satirul Marsyas este jefuit pentru că îndrăznește să-l provoace pe zeul Apollo.
„Ispita Sfântului Antonie”
Matthias Grunewald a descris subiecte religioase din Evul Mediu, deși el însuși a trăit în timpul Renașterii. S-a spus că Sfântul Antonie s-a confruntat cu încercări ale credinței sale în timp ce se ruga în pustie. Conform legendei, a fost ucis de demoni într-o peșteră, apoi a fost înviat și i-a distrus. Această pictură îl înfățișează pe Sfântul Antonie fiind atacat de demoni.
„Capete tăiate”
Cea mai faimoasă lucrare a lui Théodore Gericault este Pluta Medusei, o imensă pictură pictată în stil romantic. Gericault a încercat să rupă cadrul clasicismului trecând la romantism. Aceste tablouri au fost etapa inițială a operei sale. Pentru munca sa, el a folosit membre și capete reale pe care le-a găsit în morghe și laboratoare.
"Ţipăt"
Această faimoasă pictură a expresionistului norvegian Edvard Munch a fost inspirată de o plimbare senină de seară, în timpul căreia artistul a asistat la apusul soarelui roșu sânge.
„Moartea lui Marat”
Jean-Paul Marat a fost unul dintre liderii Revoluției Franceze. Suferind de o boală de piele, și-a petrecut cea mai mare parte a timpului în baie, unde a lucrat la înregistrările sale. Acolo a fost ucis de Charlotte Corday. Moartea lui Marat a fost descrisă de mai multe ori, dar lucrarea lui Edvard Munch este deosebit de crudă.
„Natura moartă din măști”
Emil Nolde a fost unul dintre primii pictori expresionisti, desi faima sa a fost umbrita de altii precum Munch. Nolde a pictat acest tablou după ce a studiat măștile la Muzeul din Berlin. De-a lungul vieții sale, el a iubit alte culturi, iar această lucrare nu face excepție.
Gallowgate Lard
Această pictură nu este altceva decât un autoportret al autorului scoțian Ken Curry, specializat în tablouri întunecate, realiste social. Tema preferată a lui Curry este viața urbană plictisitoare a clasei muncitoare scoțiene.
„Saturn devorându-și fiul”
Una dintre cele mai faimoase și sinistre opere ale artistului spaniol Francisco Goya a fost pictată pe peretele casei sale în 1820-1823. Intriga se bazează pe mitul grecesc al titanului Chronos (la Roma - Saturn), care se temea că va fi răsturnat de unul dintre copiii săi și îi va mânca imediat după naștere.
„Judith uciderea lui Holofernes”
Execuția lui Holofernes a fost descrisă de mari artiști precum Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach cel mai mare și mulți alții. Pictura din 1599 a lui Caravaggio descrie cel mai dramatic moment din această poveste - decapitarea.
"Coșmar"
Pictura pictorului elvețian Heinrich Fuseli a fost prezentată pentru prima dată la expoziția anuală a Academiei Regale din Londra în 1782, unde a șocat atât vizitatorii, cât și criticii.
„Masacrul inocenților”
Această remarcabilă operă de artă realizată de Peter Paul Rubens, formată din două picturi, a fost creată în 1612, considerată a fi influențată de opera celebrului artist italian Caravaggio.
„Studiul portretului lui Inocențiu X Velazquez”
Această imagine terifiantă a unuia dintre cei mai influenți artiști ai secolului XX, Francis Bacon, se bazează pe o parafrază a celebrului portret al Papei Inocențiu X de Diego Velazquez. Stropit de sânge, cu fața dureroasă distorsionată, Papa este înfățișat așezat într-o structură tubulară metalică, care la o inspecție mai atentă este un tron.
„Grădina Deliciilor Pământești”
Acesta este cel mai faimos și înfricoșător triptic al lui Hieronymus Bosch. Astăzi, există multe interpretări ale imaginii, dar niciuna dintre ele nu a fost confirmată în cele din urmă. Poate că lucrarea lui Bosch personifică Grădina Edenului, Grădina desfătărilor pământești și Pedeapsa care va trebui suportată pentru păcatele muritoare comise în timpul vieții.
Fapte incredibile
Niciunul dintre noi nu va putea aprecia acest tip de imagine la adevărata sa valoare și nu va citi între rânduri semnificația stabilită de autor. Dar, cu toate acestea, costul picturilor realizate de artiști contemporani este uneori just se rostogolește, iar colecționarii și cunoscătorii de artă din toată lumea vin la licitație pentru a-și cumpăra creația preferată.
Uneori plătesc astfel de sume de bani pentru o poză care le place chiar și așa autorii picturilor înșiși rămân extrem de surprinși.
Mai jos este o listă cu cele mai ciudate picturi contemporane care au fost vândute cu milioane de dolari.
1. „Concept spațial” - Lucio Fontana
Acest tablou a fost vândut pentru bani fabuloși la o licitație din Londra. Se pare că autorul a pictat pur și simplu peste pânză cu culoare și „a rupt” imaginea cu linii oblice. Întrebarea apare, desigur, pentru un milion: dacă un artist dorește să obțină și mai mulți bani pentru o astfel de imagine, ar trebui să facă o altă reducere?
Sau poate cu cât liniile tăiate sunt mai tunde, cu atât calitatea imaginii este mai mare?
2. „Oglindă roșie de sânge” - Gerhard Richter
Vândut pentru 1.100.000 de dolari .
„Pictura - o oglindă” a intrat sub ciocan pentru 1,1 milioane. Desigur, acest artist este autorul multor frumoase lucrări totuși, pentru a înțelege acest lucru, aparent, trebuie doar să te naști artist.
Secretul picturilor lui Rembrandt este dezvăluitEste dificil, dacă nu chiar imposibil, să discerneți în această capodoperă, ceva ca o oglindă. Poate că colecționarul care l-a cumpărat a vrut doar să se vadă pe sine însuși cu mai multă lumină, privind în oglindă.
Cele mai scumpe tablouri
3. „Verde și alb” - Ellsworth Kelly
Lucrările acestui artist sunt foarte controversate, criticii diferă în opinii cu privire la valoarea lor, dar, desigur, această imagine este cea mai mare o adevărată bijuterie.
Aceasta este cea mai comună pânză cu un cerc deformat în mijloc și există oameni care sunt dispuși să plătească dreptul de a adăuga această creație la colecția lor la fel de mult ca una mică insula thailandeză .
4. „Fără titlu” - Mark Rothko
Mulți au vorbit imparțial despre această imagine, dar este pur și simplu plictisitoare. Dacă copilul dumneavoastră după absolvire scoala de Arte ți-ar aduce o astfel de imagine, atunci ar exista două scenarii pentru dezvoltarea evenimentelor:
a) ai fi teribil de mândru și ai agăța o poză în loc de un televizor
b) i-ar spune: " Loc de muncă bun, bebelus. Doar hai să desenăm ceva diferit data viitoare! "
5. „Fără titlu” - Blinky Palermo
Vândut pentru 1.700.000 dolari.
Această pictură, la fel ca multe alte creații ale acestui artist, este o stratificare a picturilor colorate una peste alta. Unul dintre critici a remarcat că a privit această imagine timp de o oră, dar nu a putut găsi nimic în ea.
Un alt critic a spus-o mai profund: „Picturile din Palermo oferă privitorului privirea de a vedea schimbări de tonuri în mai multe fațete, în timp ce urmele de nuanțe și excese picturale de pe suprafața picturilor sunt complet absente, în schimb, o persoană poate contempla culori frumoase, nediluate.”
Cele mai cunoscute furturi de picturăTrebuie să fii un adevărat profesionist în domeniul tău pentru a masca lipsa soluțiilor de culoare în acest fel!
Poze ciudate
6. „Câine” - Joan Mira (Joan Mira)
De fapt, Mir are o mulțime de bune, dar acesta chiar iese în evidență, și nu din partea cea mai pozitivă.
Sau poate colecționarul care a achiziționat-o a vrut doar să dețină o parte din moștenirea artistului talentat?
7. „White Fire I” - Barnett Newman
Evident, oamenii care cumpără acest tip de tablouri sunt neobișnuit de bogați. Dar oamenii bogați devin bogați din cauza minții lor.
Dacă da, de ce un colecționar inteligent ar cumpăra o astfel de lucrare la o licitație online numai pe baza descrierii slabe postate pe site?
Numele picturii este un termen mistic care are mult de-a face cu Torah ... Tora în sine vizează o unitate spirituală profundă, pe care Newman încearcă, în cuvintele sale, să o insufle privitorului prin lucrările sale.
Dar chiar este așa? Sau poate este pur și simplu dificil pentru o persoană neexperimentată să urmărească relația dintre două linii pe o pânză goală și Torah?
8. „Fără titlu” - Cy Twombly
Această lucrare a fost făcută în grabă acasă pe hârtie simplă folosind un creion obișnuit de ceară, adică același material pe care este folosit de un copil când învață să scrie la grădiniță.
Pictura lui Picasso este cea mai scumpă operă de artăDacă îți înnebunești puțin privirea și te uiți la imagine, nu ți se va părea că această capodoperă este extrem de asemănătoare cu încercarea unui copil de a învăța să scrie litera „e”?
9. „Cowboy” - Ellsworth Kelly
Kelly a studiat arta timp de peste patru ani în instituțiile culturale din Boston și Paris, înainte de a decide direcția stilului operei sale. După cercetare, s-a stabilit că opera sa va fi „blocată”.
Pentru un ochi neexperimentat, alegerea poate părea greșită, pentru că cum, care este valoarea acestor blocuri, implementate pe hârtie? Cu toate acestea, merită să recunoaștem o greșeală, deoarece din punct de vedere al economiei, alegerea este foarte corectă, dar din punct de vedere estetic, este puțin probabil ca autorul să fi luat decizia corectă.
10. „Blue Fool” - Christopher Wool
Se poate presupune cât de încântat a fost Christopher, care este specializat în pictarea cuvintelor, când această lucrare specială a fost vândută pentru o sumă atât de mare de bani. Mă întreb când și-a pictat tabloul, ar putea crede că va fi capabil să convingă pe cineva să-l cumpere?
Bravo, Christopher!
Cele mai scumpe tablouri ale artiștilor
Lumea este plină de oameni creativi și în fiecare zi apar sute de tablouri noi, sunt scrise piese noi. Desigur, în lumea artei, nu se poate lipsi de neglijări, dar există astfel de capodopere ale unor maeștri adevărați care sunt pur și simplu uluitori! Vă vom arăta munca lor astăzi.
Creionul Realitate Augmentată
Fotograful Ben Heine a continuat să lucreze la proiectul său, care este un amestec de desene în creion și fotografie. Mai întâi face o schiță cu mâna liberă cu un creion pe hârtie. Apoi fotografiază desenul pe fundalul unui obiect real și modifică imaginea rezultată în Photoshop, adăugând contrast și saturație. Rezultatul este magie!
Ilustrații de Alisa Makarova
Alisa Makarova este o artistă talentată din Sankt Petersburg. Într-o epocă în care majoritatea imaginilor sunt create cu ajutorul unui computer, interesul compatriotului nostru pentru formele tradiționale de pictură evocă respectul. Unul dintre cele mai recente proiecte ale sale este tripticul Vulpes Vulpes, unde poți vedea vulpi fermecătoare roșii aprinse. Frumusețe și multe altele!
Gravură delicată
Pictorii pe lemn Paul Rodin și Valeria Lou au anunțat crearea unei noi gravuri numite „Molia”. Munca dureroasă și măiestria grațioasă a autorilor nu lasă indiferenți nici măcar pe cei mai încăpățânați sceptici. Imprimatul va fi expus la următoarea expoziție de la Brooklyn, pe 7 noiembrie.
Desene cu stilou
Probabil, toată lumea, cel puțin o dată la prelegeri, în loc să noteze cuvintele profesorului, a desenat diverse figuri într-un caiet. Nu se știe dacă artista Sarah Esteje a fost unul dintre acești studenți. Dar faptul că desenele ei cu stilou sunt impresionante este un fapt incontestabil! Sarah tocmai a demonstrat că nu trebuie să ai materiale speciale pentru a crea ceva cu adevărat interesant.
Lumile suprarealiste ale lui Artem Chebokhi
Artistul rus Artem Chebokha creează lumi incredibile în care există doar mare, cer și armonie nesfârșită. Pentru noile sale lucrări, artistul a ales imagini foarte poetice - un rătăcitor care călătorește în locuri necunoscute și balene care circulă în valurile norilor - zborul imaginației acestui maestru este pur și simplu nelimitat.
Spot portrete
Cineva se gândește la tehnica pensulei, cineva pe contrastul luminii și umbrei, dar artistul Pablo Jurado Ruiz desenează cu puncte! Artistul a dezvoltat ideile genului pointillism, inerent autorilor erei neoimpresionismului și și-a creat propriul stil, unde detaliile decid absolut totul. Mii de atingeri ale hârtiei duc la portrete realiste la care vrei doar să te uiți.
Imagini de pe dischete
Într-o eră în care multe lucruri și tehnologii devin învechite cu viteza unei expresii de trecere, este adesea necesar să scapi de junk-urile inutile. Totuși, după cum sa dovedit, nu totul este atât de trist și puteți face o piesă de artă foarte modernă din obiecte vechi. Artistul englez Nick Gentry a adunat dischete pătrate de la prieteni, a luat o cutie de vopsea și a pictat pe ele portrete uimitoare. S-a dovedit foarte frumos!
În pragul realismului și suprarealismului
Artistul berlinez Harding Meyer este foarte pasionat de pictarea portretelor, dar pentru a nu deveni un alt hiperrealist, a decis să experimenteze și a creat o serie de portrete în pragul realității și al suprarealismului. Aceste lucrări permit privirea feței umane ca ceva mai mult decât un „portret uscat”, evidențiind baza sa - imaginea. În urma unor astfel de căutări, opera lui Harding a fost remarcată de Galeria de Artă Modernă din München, care va expune opera artistului pe 7 noiembrie.
Picturi cu degetele pe iPad
Mulți artiști contemporani experimentează cu materiale pentru a crea tablouri, dar japonezul Seikou Yamaoka le-a întrecut pe toate, luându-și iPad-ul ca pe o pânză. El a instalat pur și simplu aplicația ArtStudio și a început nu numai să deseneze, ci să reproducă cele mai faimoase capodopere ale artei. Mai mult, el face acest lucru nu cu niște pensule speciale, ci cu degetul, ceea ce stârnește admirație chiar și în rândul oamenilor îndepărtați de lumea artei.
Pictură „din lemn”
Folosind totul, de la cerneală la ceai, artistul sculptat în lemn Mandy Tsung a creat tablouri cu adevărat fascinante, pline de pasiune și energie. Ca temă principală, ea a ales imaginea misterioasă a unei femei și poziția ei în lumea modernă.
Hiperrealistă
De fiecare dată când găsești opere ale unor artiști hiperrealisti, îți pui involuntar întrebarea: „De ce fac toate acestea?” Fiecare dintre ei are propriul său răspuns și uneori o filozofie destul de contradictorie. Dar artistul Dino Tomik spune direct: „Îmi iubesc cu adevărat familia”. Zi și noapte a pictat și a încercat să nu rateze niciun detaliu din portretul rudelor sale. Un astfel de desen ia luat cel puțin 70 de ore de muncă. A spune că părinții au fost încântați înseamnă a nu spune nimic.
Portrete de soldați
Pe 18 octombrie, a început o expoziție a operei lui Joe Black, intitulată „Modalități de a vedea”, la Opera Gallery din Londra. Pentru a-și crea picturile, artistul a folosit nu numai vopsele, ci și cele mai neobișnuite materiale - șuruburi, ecusoane și multe altele. Cu toate acestea, principalul material a fost ... soldații de jucărie! Cele mai interesante exponate sunt portretele lui Barack Obama, Margaret Thatcher și Mao Zedong.
Portrete de ulei senzuale
Artistul coreean Lee Rim nu a fost atât de cunoscut în urmă cu câteva zile, dar noile sale tablouri „Fetele în vopsea” au provocat un răspuns larg și rezonanță în lumea artei. Lee spune: " Tema principală munca mea este emoțiile umane și starea psihologică. Chiar dacă trăim în medii diferite, la un moment dat ne simțim la fel atunci când privim un obiect. " Poate de aceea, uitându-mă la munca ei, vreau să o înțeleg pe această fată și să fiu impregnată de gândurile ei.
Se încarcă ...